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Un’esperienza a cinque e più stelle: il racconto dal London Film Festival

Polvere di stelle e glamour: i red carpet sono conosciuti come un’esperienza da incanto. Oltre ai privilegiati ospiti, gli accecanti flash a mitraglietta sono le spie della presenza di un altro gruppo presente: i media costeggiano il tappeto di premiere e gala per raccogliere un po’ di quella polvere di stelle ed illuminarci qualche pagina del loro giornale o studio radiotelevisivo.

Trascinata dall’entusiasmo e dal mio perenne desiderio di imparare, per la prima volta quest’anno sono stata coinvolta nel reportage del London Film Festival. Ho abbracciato l’esperienza a dir la verità con molto poco glamour, in scarpe da ginnastica e capelli raccolti a coda di cavallo last minute. Ma ripensando a quei miei due giorni di corse e trepidazione, non è difficile notare il salto nella formazione acquisita in campo.

Il Festival del cinema – anche conosciuto semplicemente come il BFI dal maggiore ente patrocinante, il British Film Institute – sbarca sul territorio inglese un mese e mezzo circa dopo che il fratello maggiore di Venezia ha fatto mostra della pregiata mercanzia. I quattordici giorni prevedono molteplici proiezioni delle pellicole in prossima uscita e premiere giornaliere. Presso i giardini dell’Embankment, vicino all’omonima stazione della metro che dà sul camminamento lungo il Tamigi, viene eretto un enorme tendone. L’altro principale posto che si fa bello per l’occasione è la piazza di Leicester Square, incubo della security per gli innumerevoli punti di entrata e la facile aggregazione di turisti e fan. In aggiunta ai cinema, pochi altri spazi sparsi che vengono occupati per particolari eventi.

Uno degli aspetti che mi attrae sempre molto in una calca simile della stampa è osservare gli esperti in azione: quali macchine fotografiche hanno, se c’è pronto il computer al loro fianco per un montaggio rapido, quanta aggressività mettono nella presentazione del microfono. Diverse agenzie, diversa preparazione.

Sebbene distante dall’area fotografi, i click sfrenati degli scatti erano i primi campanelli di allarme per l’arrivo di “qualcuno d’importante”. Da quel momento in poi, in tempistiche più o meno allungate, questo signor, signora o signorina avrebbe approcciato la media line. Oppure, si dedicava in parte o del tutto allo stuolo di ammiratori urlanti posizionati lungo l’altra sponda del red carpet.

All’interno del team per il magazine con il quale collaboro, ho rivestito sia il ruolo di cameraman che di intervistatrice. Sebbene mi fossi trovata già in precedenza a lavorare in entrambe le vesti, la frenesia e il concentrato qual è un evento del genere, hanno alzato non poco il livello di difficoltà.

Rapidità e veloci riflessi, oltre ad una bella dose di confidenza, erano i fondamentali ingredienti. Se non si scende in campo già attrezzati, ci si deve preparare presto ad acquistarli a colpi di domande.

Dai registi che rivelano esperienze personali molto forti dietro ai loro progetti, ad attori iper-entusiasti di chiacchierare con la stampa, dai pr con la manina già tesa per interrompere l’intervista dopo neanche cinque secondi dal suo inizio, ai selfie delle star. I giornalisti e reporters in erba che si trovavano alla nostra destra e sinistra diventavano quasi i colleghi di una vita, almeno fino a quando il proprio turno di avviare la registrazione si avvicinava, e la tensione saliva. L’obiettivo era di intrattenere l’intervistato quanto più a lungo possibile di fronte alla propria videocamera. Ed è qui che entrava in gioco la velocità unita a buone razioni di determinazione.

Per quanto riguarda maneggiare la videocamera, non potrò mai incolpare abbastanza le mie mani tremanti. Aggiustare l’altezza del monopiede, assicurarsi che luci ed ombre siano accettabili sul soggetto e che l’inquadratura sia non troppo ravvicinata, richiede movimenti fluidi (per evitare strattoni nel filmato) ed una certa rapidità. La regola da ricordare è semplice: un lieve spostamento del corpo macchina equivale ad un effetto terremoto nella registrazione. Date le premesse, avendo giusto una manciata di secondi prima che la star iniziasse a rispondere, ho dovuto addestrare le mie esitanti dita a diventare leggere come una libellula e rapide come una gazzella.

Passando invece al ruolo di intervistatrice, credo sia uno dei momenti più unici. Sebbene alcuni degli ospiti possano assumere atteggiamenti snob, l’interazione che si instaura con il giornalista è molto umana. Il dialogo diventa presto una conversazione rilassata. E stupisce quanto spesso le domande più ovvie si rivelano le più efficaci.

Ci sarebbero molte parole per descrivere l’emozione di trovarsi a meno di un braccio di distanza da giganti quali Steve Carell o Patricia Clarkson – un caso eccezionale è stato Timothée Chalamet, il quale ha completamente ignorato la stampa per dedicarsi ad abbracci e foto con i fan. Ma sarebbe una bugia dire che la magia dell’esperienza sia dovuta solo a loro. L’impaziente attesa, la sudata preparazione, le risposte dei vari talenti presenti, l’ascolto delle domande dalle altre testate, l’empatia con gli il resto del team: i livelli della persona coinvolti sono svariati.

Sebbene non un’ammiratrice dell’espressione in questione, ‘crash test’ forse è la formula idonea per descrivere il mio stato a quel tempo. L’adrenalina in corpo fa sparire ogni sensazione di spossatezza, ma poi rilascia la stanchezza in un carico unico alla fine. Come il crash test, l’ondata di informazioni e impressioni arriva tutta insieme. Ma da quei pochi secondi, feedback alla mano, insegnamenti vari e convinzioni diventano molto chiari.

Simmetrie di uno scontro tra (In)Civiltà

La crisi migratoria che stiamo vivendo ci rivela l’attuale stato del mondo, il destino che inevitabilmente abbiamo in comune.

Sono le 18.32 di lunedì 16 luglio 2018 e Cristiano Ronaldo fa il suo ingresso nel club Gianni e Umberto Agnelli di Torino, la più bella sala dell’Allianz Stadium. Il migliore del mondo è un giocatore della Juventus. Con lui tutta la famiglia e il piccolo Cristiano Jr, che si diverte a fare facce buffe ai giornalisti, attenti a captare e registrare ogni singola parola del calciatore. L’Italia lo accoglie entusiasta, milioni di tifosi lo aspettano fuori, già da ore gridando il suo nome, esaltati nel vederlo con la divisa della Juve che lo veste alla perfezione.

Ore 18.32 di lunedì 16 luglio 2018 Josepha é dispersa in mare al largo delle coste libiche. Intorno il Mediterraneo, il nero della notte che si confonde con le onde del mare, poi di nuovo la luce del giorno. Per due notti e due albe. Gli occhi di Josepha sono sbarrati, profondi come il mare e scuri come le notti passate aggrappata ad una tavola di legno. Ha visto una donna morire accanto al suo bambino riversi, con il volto coperto dall’acqua. Ha sentito la loro voce farsi sempre più deboli insieme alla loro forza. Nessuno li ascoltava, nessuno sapeva i loro nomi. A lei, avvolta in coperte termiche donategli dalla stessa ONG spagnola Open Arms che l’ha salvata, l’Italia chiude le proprie porte. La motivazione? Livello migratorio ad un tasso tale che ne impossibilita l’entrata.

È dall’inizio della modernità che alla porta dei popoli bussano profughi in fuga dalla bestialità delle guerre e dei dispotismi o dalla ferocia di una vita la cui prospettiva è la fame. Per chi vive dietro quella porta i profughi sono sempre stati stranieri. Solo che oggi ci troviamo a fare i conti con un vero e proprio attacco di ‘panico morale’, il timore che questo “virus” infetti il benessere della società. Dalle promesse mancate della modernità è derivata la caduta delle illusioni: nessuno oggi crede più in un futuro accompagnato da un progresso infinito. Il 90% delle risorse e quindi della ricchezza mondiale è detenuta dall’1% della popolazione. I confini si sono aperti annullando le barriere spaziali trai continenti, mettendoci faccia a faccia con le incertezze dovute all’assenza di politiche sociali effettive. Ed ecco riaffiorare la paura irrazionale di ciò che è sconosciuto, lì pronta a dimostrarci così sfacciatamente come la modernità non sia in grado di gestire l’aspetto irrazionale dei sentimenti legati ai fenomeni sociali.

Quei nomadi, non per scelta, ma per il verdetto di un destino inclemente, secondo le affermazioni del sociologo polacco Zygmund Bauman, ci ricordano in modo irritante, esasperante e raccapricciante quanto vulnerabile sia la nostra posizione nella società e fragile il nostro benessere.

Non c’è dunque da stupirsi se nel 2017 la parola dell’anno, secondo la Fondazione Spagnola “Urgente”, sia stata “aporofobia” e che già dal settembre dello stesso anno sia stata inclusa nel Dizionario della lingua spagnola della Real Academia. Un termine che si riferisce alla paura atavica che si attiva ogni volta che entriamo in un periodo di crisi economica, dal greco áporos (colui che è privo di risorse) e che letteralmente significa “rifiuto o avversione verso i poveri”. Coniato dalla filosofa spagnola Adela Cortina ed usato per la prima volta dalla stessa nel 1995 in occasione della Conferenza Euromediterranea di Barcellona, già infocata sui temi caldi dell’area mediterranea, quali immigrazione, crisi e disoccupazione.

Ci confrontiamo ad una società che definisce “xenofobia” o “razzismo” il rifiuto degli immigrati o dei rifugiati, quando in realtà questa avversione non è dovuta al loro status di stranieri, ma al loro indice di povertà. Secondo il rapporto pubblicato nel 2017 in Spagna 17 casi sono stati segnalati per aporofobia: il 47% delle violenze subite dai senzatetto è stato un crimine di odio da aporofobia e di queste persone almeno l’81% hanno subito violenza in più di un’occasione. I dati non variano di molto in Italia, dove la popolazione a rischio di povertà o esclusione sociale è pari al 30% (18.136.663 individui), e la violenza nei loro confronti è in significativo aumento.

L’umanità non apprende e sembra aver dimenticato il proprio passato. In Italia sono lontani ormai i tempi in cui emigrare significava speranza, non si vogliono ricordare i tempi in cui intere famiglie si imbarcavano in veri e propri viaggi infernali in cerca di una possibilità di futuro oltre oceano. Ma soprattutto sembra non appartenerci più il tratto di diffidenza provato dai nostri connazionali appena sbarcati negli Stati Uniti o in Australia. La nostra generazione non l’ha vissuto, io non ho provato niente di tutto ciò sulla mia pelle. Barcellona mi ha accolto a braccia aperte e non ho mai sentito nemmeno per un momento né rifiuto sociale né repulsione per il mio status di migrante.

Mi definiscono ‘cervello in fuga’ ma non mi categorizzano per la mia provenienza geografica. Ma avrei potuto dire lo stesso se mi fossi trovata in una situazione di povertà assoluta?
La realtà dei fatti mi porta a pensare che no, gli atti particolari di empatia ed umanità di cui è capace l’essere umano mi fanno sperare che non è ancora troppo tardi. È ancora possibile fermare l’espansione di questo panico generalizzato che ci fa identificare il migrante o il povero come il nemico e non ci lascia vedere che i veri nemici siamo noi stessi. Dovremmo fermarci e riflettere sull’importanza che diamo alla vita in se e su cosa siamo disposti a fare per preservarla.

“Nessuno mette i propri bambini su di un barcone, a meno che l’acqua non sia più sicura della terra” (Warsan Shire)

 

Arrangiamento d’autore

La musica di Vivaldi rimanda ad una tradizione antica e altisonante. Solo il nome basta a richiamare alla mente archi e clavicembali dalle complesse armonie. Eppure, il concerto La Primavera, parte de Le Quattro Stagioni, è nella testa di tutti: un raffinato evergreen.

Recentemente ho avuto il piacere di riscoprire questo classico grazie ad un magnifico spettacolo allo Shakespeare’s Globe. Il rifacimento delle composizioni da parte di Max Richter (2012) era alla base dell’opera. Il concerto è stato poi ulteriormente riadattato per un complesso di sei elementi, con accurata selezione dei brani per una durata totale di circa un’ora e mezza.

Finn Caldwell e Toby Olié, le menti creative della compagnia Gyre & Gimble, hanno realizzato dei burattini mossi da un coordinato gruppo di cinque artisti. Lo spettacolo aveva luogo nel Sam Wanamaker Playhouse, uno spazio interno al Globe (non l’iconico grande teatro all’aperto), più intimo e, grazie alla sola illuminazione di candele e tenui faretti, molto suggestivo.

Leggendo le recensioni su Internet non è possibile farsi un’idea precisa della trama. È una narrazione visiva e musicale che segue l’evolversi universale della vita. I due protagonisti si innamorano ed hanno un figlio. Con l’arrivo della guerra, lui viene chiamato alle armi, dove perde la vita, mentre il bambino a casa apprende a muovere i primi passi. Crescendo, il ragazzo, che conduce una vita di successo ma priva di veri affetti, viene turbato dai fantasmi del passato, fino a quando non si riconcilia con la sua storia. E si torna, circolarmente, ad una tenera scena di amore a prima vista.

Il tutto veniva elegantemente “recitato” dai burattini, semplici, si direbbe, in quanto privi di definiti tratti facciali e costumi. Eppure, i movimenti e la grazia delle marionette seguivano l’energico andamento musicale in maniera suggestiva, con pieno coinvolgimento ed emozione del pubblico. Non pochi, immagino, saranno tornati a casa cercando l’album di Richter o, direttamente l’originale di Vivaldi, su Spotify o Youtube.

La figura del burattinaio, spesso relegata per noi alla tradizione popolare o per bambini, ricopre in realtà molti più aspetti di quanti ci si possa immaginare. Dal coordinamento dei personaggi animati sul set di film come Paddington al movimento sul palco di soggetti piuttosto complessi come il cavallo di War Horse, uno degli ultimi grandi successi del West End.

Tornando al rifacimento di Vivaldi, la scelta di unire musica classica, burattini ed una trama così apparentemente semplice, è stata rischiosa. D’altronde, il breve incarico del direttore artistico del Globe Emma Rice è stato costellato da simili decisioni. Come l’audace interpretazione di Sogno di Una Notte di Mezz’Estate o l’ultra-contemporaneo Romeo e Giulietta, o ancora l’ambientazione messicana di Molto Rumore per Nulla. È per questo che la commissione del teatro ha deciso di accorciare la durata del suo ruolo, terminando il contratto due anni prima del dovuto. Come dire: la troppa audacia della donna è stata ben ripagata.

Quando la notizia si sparse ormai quasi un anno fa, critica e esperti furono non poco divisi. È vero che alcune delle scelte artistiche avevano trovato una povera giustificazione nel desiderio di rinnovo delle opere del Bardo, ma l’originale approccio ed il facilitato accesso ad un più vasto pubblico che alcuni di questi adattamenti hanno consentito sono innegabili. Il punto di tutta la questione è che tutto ciò ebbe luogo nel sacro tempio del Globe. ‘Ai posteri l’ardua sentenza’: fu coraggio o un povero giudizio?

Shakespeare, nel bene o nel male, è stato rimaneggiato e riadattato così tante volte da chiedersi non se ma quando capiterà un’altra situazione del genere.

Il Regno Unito non ha paura di giocare con la tradizione. Il tessuto narrativo e i molteplici mezzi artistici vengono rimescolati e fatti interagire con libertà. L’aderenza o meno al testo originale viene dichiarata. Il pubblico e l’appuntita penna dei critici sono l’unico giudice ed eventuale sanzionatore.

I risultati alle volte sono di alta qualità e sorprendente freschezza, come l’acclamato moderno Amleto, con Andrew Scott, adattato e diretto da Robert Icke. Altre volte, il prodotto è meno esaltante, come fu il rifacimento teatrale di Ossessione, con Jude Law nel ruolo di Gino, diretto da Ivo van Hove.

Trasporre la pellicola sul palco, e non in piccoli teatri d’avanguardia, ma per grandi platee: è questo un trend molto recente e che sembra stia dando i suoi frutti, presentando nuovi approcci creativi e avvicinando un pubblico sempre diverso, sempre più vasto.

La rassegna estiva 2017 del Teatro dell’Opera di Roma alle Terme di Caracalla ricevette più attenzione del solito da parte dei giornali italiani per l’offerta di una Carmen piuttosto fuori dalle convenzioni e dal previsto canone. La giovane argentina Valentina Carrasco fu la regista sulla bocca di tutti per aver portato in scena un allestimento dell’opera in un futuro non troppo lontano e macchiata di modernità fino all’inverosimile, con jeans and night club inclusi.

Ascoltando i commenti di chi vi aveva partecipato allo spettacolo e leggendo alcune testate da quest’altro lato d’Europa, la situazione sorprese anche me. Com’era stato possibile lasciare che costumi moderni e sceneggiature neanche vagamente mitizzate entrassero il sacro tempio delle Terme? Com’era stato possibile far assistere ad un pubblico in attesa del tradizionale balletto una trasposizione così spinta?

‘Ai posteri l’ardua sentenza’.